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June 19 2015


The link between depression and creativity, and how it can be good for you

Why are so many creative types plagued with depression?

It’s not creatives alone who suffer from overwhelming bouts of sadness or uncontrollable episodes of doubt and lack of motivation to do much of anything. As of 2008, 1 in 10 Americans have claimed to suffer from some form of depression,according to the CDC.

Every year that equates to more than 7% of us having to suffer from agonizing loneliness, mental and emotional darkness, and numerous other symptoms of varying degrees all attributed to this singular, albeit broad by definition, disorder: depression.

But creatives – the writers, musicians, inventors, dancers, scientists, architects, students and teachers, and any other creative type you can think of – are singled out more often than not when it comes to depression. Why? Is there really a link between the two?

To find out, we turn to the science of the mind and the theory of human evolution.

Of course, throughout history many world-leading thinkers have suffered from depression, including historical Naturalist and evolutionary expert Charles Darwin.

Darwin’s depression not only impacted his theoretical and scientific work, but it also became a primary topic of his very work.

Because of depression’s wide reach on the global population (as one, if not the one, of the most common mental illnesses, set apart from other, less common, disorders including personality and eating disorders), Darwin had to explore it in order to make sense of his evolutionary theories.

Because Darwin’s theory of evolution claimed that “only the strong survive,” depression seems to be a gigantic mistake.

From a macro perspective, depression typically leads to a lack of motivation (often motivation to eat, exercise, or do much of anything) and can lead to thoughts of suicide. How could such a health and population-hindering disorder find it’s way through hundreds of years of evolution if evolution’s end-game is survival? And what does this all have to do with creativity exactly?

The answers may surprise you. So let’s look at the facts.

There is a link between creativity and depression, but it’s not what most people think it is.

To start: if depression affects so many diverse groups of people, why are creative types singled out? What’s the link between the two?

While the possible solutions are many (the mind is a very complicated subject, after all), countless psychologists and psychiatrists tend to agree that major depression is amplified in those who tend to ruminate on their thoughts.

Think about this.

Rumination, if you’ve been paying attention, is one of the major keys of thinking like a creative genius. To be creative is to make sense of and connect the small details of everything we experience, the good and the bad.

Creatives naturally tend to think more, and think about their very thoughts too.

When we ruminate, however, our brains are naturally drawn to things that are vital to our health. Pain and suffering are such immense experiences, even if they’re short-lived, that those who ruminate tend to loop through those painful experiences more often than those who don’t (are you starting to see the evolutionary link yet?).

For example: someone who doesn’t take the time to think about their thoughts regularly may have a stressful day at work or school, but when they come home from it all it’s easier to forget than not.

On the other hand, there are certain types of thinkers who naturally are drawn to play the stressful events over and over again, thinking about what happened, what they could have (or should have) done differently, how the details of what occurred will affect the rest of their lives, and so on. Creative thinkers tend to fall into the latter group, re-playing events over and over again to better understand them.

A result of focusing on these thoughts then, according to Yale psychologist Susan Nolen-Hoeksema, is immense depression or a feeling of hopelessness.

Aha! Now we’re onto something.

This rumination to depression process is evident not only in creatives, of course, but everyone. If the average (not powerfully creative) person finds themselves in a moment of deep reflection – particularly about a stressful event – they too are likely to encounter a state of depression, though it may not last as long as someone who continues to ruminate on the event(s).

For creatives, that depressive state happens to be longer-lasting and more intense, due to their innate desire to simply keep thinking on it.

Creativity is all about thinking, so it only makes sense that all of that thinking would lead to manic episodes of feeling hopeless, alone, or like a failure. Maybe you’ve felt those emotions a lot yourself.

Our first answer is then clear.

It turns out that depression doesn’t make you creative, per se. In-fact, the opposite is more often the case: the creative person, who spends his or her time ruminating on thoughts is likely to suffer from major depression.

The link is an effect of the creative’s ability to think with more intent than other types of personalities.

We’re not quite done yet though. We still haven’t answered why bouts of depression have made their way through evolution and into so many people’s lives.

From an evolutionary standpoint we could now say that depression is a psychological desire to be better, to be stronger, to reflect on where we’ve made mistakes, and to find ways to improve ourselves overall. Research from Andy Thomson and Paul Andrews confirms this approach, stating that depression is an evolutionary way for us to tightly focus our attention on what needs changing in our lives.

Depression, while seemingly a hinderance to a healthy and happy life, is really a balancing act that helps us focus on the areas where we need to improve most.

For creatives, this depression is what amplifies motivation to do their work better. It’s not enough to keep doing what you’ve been doing as a creative, you have to do more, and do it well. That’s empowering, if you can make it through the initial dip in energy.

It’s not just an evolutionary way to sort through what’s broken though.

While depression serves as a reflection of thought and those who ruminate tend to suffer the most, it also has a secondary upside that helps explain why creatives experience more depression than any other individual type.

Once whatever initially caused the depressed feelings to rise up have been sorted through in the mind, the shift into more positive thoughts (e.g. “That wasn’t so bad,” or “I know what I have to do now”) helps to drive even more motivation to do more creative work (or really more of anything at all).

The upswing of coming out of a creative slump, according to Shelley Carson, an instructor on creativity and psychology at Harvard University, is enough motivation to produce immense amounts of work. And it’s a very real boost, identical to one you would get if you received a random gift or really great news.

It’s not just creatives who experience the productive, post-deprssion boost either.

Say you’re an avid tennis player who suddenly falls into a temporary state of depression. Once the thoughts you experienced through those few days or that week of depression are counseled internally, you may find yourself more motivated than ever before to get out and practice your backhand stroke. To the point where you go above and beyond where you were before the depressed state.

Of course, the motivational boost is often an inverse of the level of depression. So if you’re in a truly deep funk and start coming out of it, you can expect your motivation to be equally as high as the low.

For creatives this is excellent news.

After much rumination, creative types tend to fall into the deeper states of depression, but that also means they’re more likely to experience the higher rises. Because of this effect, their work is more prominent and their behavior more recognized.

You can see how this shift (from overwhelmingly depressed and being unable to do much of anything, to a dynamic state of productivity and livelihood) can mislead people into believing that depression fuels creativity, but that’s not really the case.

Creativity is what can drive depression, a signal that there’s a lot of thinking going on. Which, in return, is great for creativity once the initial slump has been combatted and the motivation returns.

If you find yourself depressed, don’t expect to be more creative. However, if you’re often suffering from depression, you may just be doing so because you’re just that much more creative.

Important! I am not a psychologist or doctor and do not give this information as medical or professional advice. If you are seriously depressed and need someone to simply listen to you, call 1-800-273-8255 today.

I also highly recommend seeking professional help in the form of a psychologist or other experienced professional. You are great, the world needs your ideas, please get help if you feel out of control in any way.

June 09 2015


Maladies mentales et créativité partagent des racines génétiques

Il n’y a point de génie sans un grain de folie, selon Aristote. Ce philosophe grec était visionnaire : une étude démontre un lien génétique entre créativité et maladie mentale.

Vincent Van Gogh. Ernest Hemingway. Antonin Artaud. Marlon Brando. Ces quatre personnalités ne partagent pas seulement la créativité. Ce sont aussi des malades mentaux célèbres, qui souffraient de troubles bipolaires ou de schizophrénie. Et nombreux sont les artistes qui souffrent de troubles psychiques. Ce n’est pas le fruit du hasard : créativité et maladies mentales ont des racines génétiques communes. C’est le résultat de l’analyse des données génétiques de la population islandaise. Les résultats, parus dansNature Neuroscience, montrent que les personnes créatives possèdent des gènes de prédisposition aux troubles psychiatriques.

Les données génétiques de plus de 96 000 Islandais ont été passées en revue. Les individus ont été classés en deux groupes : créatifs ou non. Pour intégrer le premier groupe, il fallait faire partie d’une société artistique nationale (art dramatique, danse, musique, art visuel, écriture).

Un environnement variable

Pour les auteurs de l’étude, la créativité se caractérise par des processus cognitifs différents du reste de la population. Les maladies psychiatriques que sont la schizophrénie et le trouble bipolaire se caractérisent aussi par une altération des capacités cognitives et émotionnelles. Un lien n’est donc pas exclu. Les données génétiques confirment cette hypothèse : les scores montrent que la créativité se situe à mi-chemin entre la bonne santé mentale et la maladie psychiatrique.

« L’idée que ces troubles reflètent les extrêmes du spectre normal du comportement humain plus qu’une maladie distincte est de plus en plus acceptée, souligne Robert Power, premier auteur de l’étude. Si nous savons quels comportements sains, comme la créativité, ont une biologie commune avec des maladies psychiatriques, nous comprendrons mieux le processus qui rend une personne malade. Nos résultats suggèrent que les personnes créatives ont peut-être une prédisposition génétique qui les pousse à réfléchir différemment. » 
Cette prédisposition serait similaire à celle des patients bipolaires ou schizophrènes. Mais les « créatifs » auraient bénéficié de facteurs génétiques et environnementaux favorables, à la différence des seconds.

May 01 2015


Le complot de l'art

Si dans la pornographie ambiante s'est perdue l'illusion du désir,

dans l'art contemporain s'est perdu le désir de l'illusion. Dans le porno, rien ne laisse plus à désirer. Après l'orgie et la libération de tous les désirs, nous sommes passés dans le transsexuel, au sens d'une transparence du sexe, dans des signes et des images qui en effacent tout le secret et toute l'ambiguïté. Transsexuel, au sens où ça n'a plus rien à voir avec l'illusion du désir, mais avec l'hyperréalité de l'image.

Ainsi de l'art, qui lui aussi a perdu le désir de l'illusion, au profit d'une élévation de toutes choses à la banalité esthétique, et qui donc est devenu transesthétique. Pour l'art, l'orgie de la modernité a consisté dans l'allégresse de la déconstruction de l'objet et de la représentation. Pendant cette période, l'illusion esthétique est encore très puissante, comme l'est, pour le sexe, l'illusion du désir. A l'énergie de la différence sexuelle, qui passe dans toutes les figures du désir, correspond, pour l'art, l'énergie de dissociation de la réalité (le cubisme, l'abstraction, l'expressionnisme), l'une et l'autre correspondant pourtant à une volonté de forcer le secret du désir et le secret de l'objet. Jusqu'à la disparition de ces deux configurations fortes ­la scène du désir, la scène de l'illusion­ au profit de la même obscénité transsexuelle, transesthétique ­celle de la visibilité, de la transparence inexorable de toutes choses. En réalité, il n'y a plus de pornographie repérable en tant que telle, parce que la pornographie est virtuellement partout, parce que l'essence du pornographique est passée dans toutes les techniques du visuel et du télévisuel Mais peut-être, au fond, ne faisons-nous que nous jouer la comédie de l'art, comme d'autres sociétés se sont joué la comédie de l'idéologie, comme la société italienne par exemple (mais elle n'est pas la seule) se joue la comédie du pouvoir, comme nous nous jouons la comédie du porno dans la publicité obscène des images du corps féminin. Ce strip-tease perpétuel, ces phantasmes à sexe ouvert, ce chantage sexuel ­ si tout cela était vrai, ce serait réellement insupportable. Mais, heureusement, tout cela est trop évident pour être vrai. La transparence est trop belle pour être vraie. Quant à l'art, il est trop superficiel pour être vraiment nul. Il doit y avoir un mystère là-dessous. Comme pour l'anamorphose: il doit y avoir un angle sous lequel toute cette débauche inutile de sexe et de signes prend tout son sens mais, pour l'instant, nous ne pouvons que le vivre dans l'indifférence ironique. Il y a, dans cette irréalité du porno, dans cette insignifiance de l'art, une énigme en négatif, un mystère en filigrane, qui sait? une forme ironique de notre destin? Si tout devient trop évident pour être vrai, peut-être reste-t-il une chance pour l'illusion. Qu'est-ce qui est tapi derrière ce monde faussement transparent? Une autre sorte d'intelligence ou une lobotomie définitive? L'art (moderne) a pu faire partie de la part maudite, en étant une sorte d'alternative dramatique à la réalité, en traduisant l'irruption de l'irréalité dans la réalité. Mais que peut encore signifier l'art dans un monde hyperréaliste d'avance, cool, transparent, publicitaire? Que peut signifier le porno dans un monde pornographié d'avance? Sinon nous lancer un dernier clin d'oeil paradoxal ­ celui de la réalité qui se rit d'elle-même sous sa forme la plus hyperréaliste, celui du sexe qui se rit de lui-même sous sa forme la plus exhibitionniste, celui de l'art qui se rit de lui-même et de sa propre disparition sous sa forme la plus artificielle: l'ironie. De toute façon, la dictature des images est une dictature ironique. Mais cette ironie elle-même ne fait plus partie de la part maudite, elle fait partie du délit d'initié, de cette complicité occulte et honteuse qui lie l'artiste jouant de son aura de dérision avec les masses stupéfiées et incrédules. L'ironie aussi fait partie du complot de l'art.

L'art jouant de sa propre disparition et de celle de son objet, c'était encore un grand oeuvre. Mais l'art jouant à se recycler indéfiniment en faisant main basse sur la réalité? Or la majeure partie de l'art contemporain s'emploie exactement à cela: à s'approprier la banalité, le déchet, la médiocrité comme valeur et comme idéologie. Dans ces innombrables installations, performances, il n'y a qu'un jeu de compromis avec l'état des choses, en même temps qu'avec toutes les formes passées de l'histoire de l'art. Un aveu d'inoriginalité, de banalité et de nullité, érigé en valeur, voire en jouissance esthétique perverse. Bien sûr, toute cette médiocrité prétend se sublimer en passant au niveau second et ironique de l'art. Mais c'est tout aussi nul et insignifiant au niveau second qu'au premier. Le passage au niveau esthétique ne sauve rien, bien au contraire: c'est une médiocrité à la puissance deux. Ça prétend être nul: «Je suis nul! Je suis nul!» ­et c'est vraiment nul.

Toute la duplicité de l'art contemporain est là: revendiquer la nullité, l'insignifiance, le non-sens, viser la nullité alors qu'on est déjà nul. Viser le non-sens alors qu'on est déjà insignifiant. Prétendre à la superficialité en des termes superficiels. Or la nullité est une qualité secrète qui ne saurait être revendiquée par n'importe qui. L'insignifiance ­ la vraie, le défi victorieux au sens, le dénuement du sens, l'art de la disparition du sens­ est une qualité exceptionnelle de quelques oeuvres rares, et qui n'y prétendent jamais. Il y a une forme initiatique de la nullité, comme il y a une forme initiatique du rien, ou une forme initiatique du Mal. Et puis, il y a le délit d'initié, les faussaires de la nullité, le snobisme de la nullité, de tous ceux qui prostituent le Rien à la valeur, qui prostituent le Mal à des fins utiles. Il ne faut pas laisser faire les faussaires. Quand le Rien affleure dans les signes, quand le Néant émerge au coeur même du système de signes, ça, c'est l'événement fondamental de l'art. C'est proprement l'opération poétique que de faire surgir le Rien à la puissance du signe ­ non pas la banalité ou l'indifférence du réel, mais l'illusion radicale. Ainsi Warhol est vraiment nul, en ce sens qu'il réintroduit le néant au coeur de l'image. Il fait de la nullité et de l'insignifiance un événement qu'il transforme en une stratégie fatale de l'image.

Les autres n'ont qu'une stratégie commerciale de la nullité, à laquelle ils donnent une forme publicitaire, la forme sentimentale de la marchandise, comme disait Baudelaire. Ils se cachent derrière leur propre nullité et derrière les métastases du discours sur l'art, qui s'emploie généreusement à faire valoir cette nullité comme valeur (y compris sur le marché de l'art, évidemment).

Dans un sens, c'est pire que rien, puisque ça ne signifie rien et que ça existe quand même, en se donnant toutes les bonnes raisons d'exister. Cette paranoïa complice de l'art fait qu'il n'y a plus de jugement critique possible, et seulement un partage à l'amiable, forcément convivial, de la nullité. C'est là le complot de l'art et sa scène primitive, relayée par tous les vernissages, accrochages, expositions, restaurations, collections, donations et spéculations, et qui ne peut se dénouer dans aucun univers connu, puisque derrière la mystification des images il s'est mis à l'abri de la pensée.

L'autre versant de cette duplicité, c'est, par le bluff à la nullité, de forcer les gens, a contrario, à donner de l'importance et du crédit à tout cela, sous le prétexte qu'il n'est pas possible que ce soit aussi nul, et que ça doit cacher quelque chose. L'art contemporain joue de cette incertitude, de l'impossibilité d'un jugement de valeur esthétique fondé, et spécule sur la culpabilité de ceux qui n'y comprennent rien, ou qui n'ont pas compris qu'il n'y avait rien à comprendre. Là aussi, délit d'initié. Mais, au fond, on peut penser aussi que ces gens, que l'art tient en respect, ont tout compris, puisqu'ils témoignent, par leur stupéfaction même, d'une intelligence intuitive: celle d'être victimes d'un abus de pouvoir, qu'on leur cache les règles du jeu et qu'on leur fait un enfant dans le dos. Autrement dit, l'art est entré (non seulement du point de vue financier du marché de l'art, mais dans la gestion même des valeurs esthétiques) dans le processus général de délit d'initié. Il n'est pas seul en cause: la politique, l'économie, l'information jouissent de la même complicité et de la même résignation ironique du côté des «consommateurs».

«Notre admiration pour la peinture est la conséquence d'un long processus d'adaptation qui s'est opéré pendant des siècles, et pour des raisons qui très souvent n'ont rien à voir avec l'art ni l'esprit. La peinture a créé son récepteur. C'est au fond une relation conventionnelle» (Gombrowicz à Dubuffet). La seule question, c'est: comment une telle machine peut-elle continuer de fonctionner dans la désillusion critique et dans la frénésie commerciale? Et si oui, combien de temps va durer cet illusionnisme, cet occultisme ­cent ans, deux cents ans? L'art aura-t-il droit à une existence seconde, interminable ­ semblable en cela aux services secrets, dont on sait qu'ils n'ont plus depuis longtemps de secrets à voler ou à échanger, mais qui n'en fleurissent pas moins, en pleine superstition de leur utilité, et en défrayant la chronique mythologique.


April 20 2015


Walter Serner, manifeste Dada

Passons sans passer par-dessus les nombreuses coquilles (même dans le prénom du traducteur-éditeur, en bas de la page de titre) et erreurs d'un texte qui aurait dû bénéficier de plusieurs relectures de même que les indispensables notes, on a en mains quelques pièces essentielles du dossier politico-esthétique sur les origines de Dada et un livre très bien confectionné, à l'iconographie superbe. Il est certes un peu cher mais il faut noter qu'il n'a bénéficié d'aucune subvention (???).
En 78 paragraphes drôlement nihilistes, Serner s'attaque comme de rien à rien et tout, à l'art, à la sculpture définie comme jouet particulièrement peu malléable, rendu incisif par œillade métaphysique , à Napoléon comme à Rimbaud, à la religion, à la conscience, à l'Amour capable de transformer un canard en cygne , au sens et au non-sens, au mot et à son entame, aux virtualités inexploitées du signifiant, à l'écriture qu'il raille avec des pantalonnades de parenthèses et une virulence inventive : 

Chaque mot est bien entendu une compromission. 

Aucun espoir, pas même la Révolution, une bagarre hystérique entre êtres organiquement sous-doués ni aucun socle d'appui pour la pensée : 

On ne peut même pas ... se fier à sa résolution de ne plus se fier à rien. 

Venue avec la transe des véritables découvreurs et donc moins facilement accessible en dépit de l'humour rageur, cette prose qui a présenté de gros problèmes de traduction, charrie tous les concepts, paradoxes et aphorismes dont Tzara saura tirer profit non sans habileté, celle dont font preuve aujourd'hui les professionnels de la communication. 
Cette édition du premier manifeste Dada répertorié répare une grave injustice de la mémoire française ; l'éditeur-traducteur en annonce la suite, Le Bréviaire d'escrocs - et de ceux qui désirent le devenir (1928).

April 02 2015


Aphorismes ésotériques

Les "Aphorismes ésotériques", dits de Ramiel de Saint-Genys (qui n’est qu’un pseudonyme), n’appartiennent globalement pas au genre qui nous intéresse, parce qu’il s’agit essentiellement de satires ou de rêveries ésotériques qui ne se présentent pas explicitement comme des fictions. Néanmoins, nombre d’entre elles sont directement inspirées par la science-fiction : des allusions claires y sont faites à George Lucas et à ses films, Frank Herbert, Isaac Asimov, H. P. Lovecraft, Gérard Klein (présenté comme un grand écrivain méconnu). Le livre tend, certes, à se moquer de l’attachement excessif aux machines qui domine notre époque ; mais, par ailleurs, il s’emploie à extraire des images de la science-fiction une sorte de mythologie, comme si elles étaient la voie d’un mystère initiatique. Tout cela ressortit à la philosophie, en un certain sens. Mais le sujet en est la face cachée du monde actuel, et le mode aphoristique ramène le propos à la poésie. Pour lecteurs avertis seulement !

Rémi Mogenet

(Éditions Le Tour, 74340 Samoëns - 14 €.)

March 08 2015

0859 94c7 500

March 04 2015

0147 692b 500

January 24 2015

6608 5b23 500

December 05 2014


Processus de création : Bibliographie

[ Génétique ]

COLLOT, Michel. 1996. « Repentir et réparation ». In Ratures & repentirs :Actes du cinquième colloque du Cicada (Pau, 1-3 décembre 1994), sous la dir. de Bertrand Rougé, p. 195-203. Pau : Publications de l’Université de Pau, coll Rhétorique des arts; 5.

DE BIASI, Pierre-Marc. 1996. « Qu’est-ce qu’une rature? ». In Ratures & repentirs :Actes du cinquième colloque du Cicada (Pau, 1-3 décembre 1994), sous la dir. de Bertrand Rougé, p. 17-47. Pau : Publications de l’Université de Pau, coll Rhétorique des arts; 5.

GRÉSILLON, Almuth. 1994. Éléments d’une Critique Génétique.

GRÉSILLON, Almuth. 1996. « Raturer, rater, rayer, éradiquer, radier, irradier ». In Ratures & repentirs :Actes du cinquième colloque du Cicada (Pau, 1-3 décembre 1994), sous la dir. de Bertrand Rougé, p. 49-60. Pau : Publications de l’Université de Pau, coll Rhétorique des arts; 5.

ROUGER, Bertrand (dir.). 1996. Ratures et repentirs, Actes du cinquième colloque du CICADA, Publications de l’Université de Pau, 259 p.

[ Génétique de la représentation ]

LÉGER, Nathalie et GRÉSILLON, Almuth. 2006. Genesis. Voir, de façon plus précise, l’article de A. Grésillon et J-M. Thomasseau, « Scènes de genèses théâtrales », pp. 19-34.

BENHAMOU, Anne-Françoise. « Genèse d’un combat : une rencontre « derrière les mots » », paru dans Genesis, p. 51-69.

FÉRAL, Josette (ed.) Genetics of Performance , Theatre Research international , no 33.3, October 2008.

Comprend des articles de:

  • Josette Féral, Towards a Genetic Study of Performance- Take 2
  • Jean-Marie Thomasseau, Towards a Genetic Understanding of non-contemporary Theatre: Traces, Objects, Methods
  • John Golder, Molière and the Circumstances of Late Seventeentth-Century Rehearsal Practice
  • Marie-Madeleine Mervant-Roux, The Fragility of Beginnings: the First Genetic Stratum of Le Square by Marguerite Duras
  • Gay McAuley, Not Magic but Work: Rehearsal and the Production of Meaning
  • Sophie Prroust, Written Documents of the assistant Director: A record of Remaking
  • Christine Hamon-Siréjols, The Revival of Plays : A procedure Open to Question.

[ Sur la direction d’acteurs ]

PROUST, Sophie. 2006. La direction d’acteurs dans la mise en scène théâtrale contemporaine, Vic la Gardiole, L’Entretemps, 543 p.

Analyse de processus d'artistes

CVEJIC Bojana et De Keersmaeker Anne Teresa , Carnets d’une chorégraphe : Fase, Rosas danst Rosas, Elena’s Aria, Bartók, Mercatorfonds et Rosas, Mai 2012 ; 256 pages ; 4 DVD en anglais, sous-titrés en français et en néerlandais ; disponible en anglais (A Choreograher's Score, ISBN 978 90 6153 541 6) et en français (ISBN 978 90 6153 538 6).

La chorégraphe belge Anne Teresa De Keersmaeker s’entretient ici avec la théoricienne du spectacle et musicologue Bojana Cvejić, afin de détailler les principes chorégraphiques de ses quatre premières œuvres (1981–1986). D’où naissent les premiers mouvements, les premiers gestes d’une chorégraphie ? Comment des structures complexes se dessinent-elles, pour permettre l’invention joyeuse de principes de composition et de styles performatifs inédits ? Anne Teresa De Keersmaeker fait appel à la précision de sa mémoire pour évoquer les motivations et les mille événements qui ont orienté le choix des mouvements, de la musique, de l’éclairage et de l’architecture spatiale dans ces quatre créations. Elle s’efforce de mettre en lumière ce qui guide « l’organisation des corps et des énergies dans l’espace et le temps », jetant ainsi les bases de son œuvre chorégraphique. Nombreux dessins, schémas, photographies et documents sur le spectacle, démonstrations dansées d’Anne Teresa De Keersmaeker, ainsi qu'extraits de spectacles. /

[ Sur le processus créateur ]


PASSERON, René. 1981. La Création collective. Paris : Clancier-Guénaud, «Recherches poïétiques», 259 p.

_______. 1989. Pour une philosophie de la création. Paris : Klincksieck, «Esthétique», n° 49, 251 p.

_______. (dir). 1982. Création et répétition. Paris : Clancier-Guénaud, «Recherches poiétiques», 206-iv p., ill. [C.N.R.S.]

_______. 1996. La naissance d’Icare. Éléments de poïétique générale. Valenciennes : Presses Universitaires de Valenciennes, 240 p.

TAMBA, Akira. 1982. « Poïétique musicale et répétition ». In Création et répétition, sous la dir. de René Passeron, p. 89-106. Paris : Groupe de recherches esthétiques du C.N.R.S., Éd. Clancier-Guénaud, coll. Recherches poïétiques.

Théories de la créativité

ASTRUC, Louis. 1972. Test de classification et de sélection des créativités. Paris : Maloine, 69 p.

BACUS, Anne et ROMAIN, Christian. 1992. Développez votre créativité. Alleur : Nouvelles éditions Marabout, 250 p.

BEAUDOT, Alain. 1979. Vers une pédagogie de la créativité. Paris : Éditions ESF, 125 p.

BROUSTRA, Jean. 1996. L’expression : psychothérapie et création. Paris : ESF, "L’Art de la psychothérapie", 267 p., ill.

DEMORY, Bernard, Lucie JULIEN et Michelle SAUNIER. 1988 [1978]. La Créativité en pratique et en action. Montréal : Agence d¹Arc / Paris : Chotard, 283 p., ill.

FERNEY, Frédéric, et al. 1990 [1983]. Le Complexe de Léonard ou La société de création. Paris: Éd. du Nouvel Observateur, 373 p.

FUSTIER, Michel, en coll. avec Bernadette FUSTIER. 1978. Pratique de la créativité. Paris : Entreprise moderne d'édition, Librairies techniques / É.S.F., xlii-118 p.

HALPRIN, Lawrence. 1969. The RSVP Cycles. Creative Processes in the Human Environment.
New York :George Braziller inc.

KHATENA, Joe. 1984. Imagery & Creative Imagination. Buffalo : Bearly Ltd., 220 p., ill.

KŒSTLER, Arthur. 1965. Le Cri d'Archimède. L'art de la découverte et la découverte de l'art. Paris, Calmann-Lévy, 448 p.

KOSTELANETZ, Richard. 1992. On Innovative art(ist)s. Recollections of an Expanding Field. Jefferson Car. du Nord : McFarland, 1992, 356 p.

MILLER, Arthur I. 2000. Insights of genius :imagery and creativity in science and art, Cambridge, MIT Press, 482 p.

OSBORN, Alex F. 1988. Créativité. L’imagination constructive. Saint-Jean-sur-Richelieu, Bo-Pré / Paris : Dunod, xv-366 p.

POPPER, Frank J. 1985 [1980]. Art, action et participation. L'artiste et la créativité aujourd'hui, 2e éd. Paris : Klincksieck, «Esthétique», n° 32, 368 p., ill.

PRADIER, Jean-Marie, éd. 1994. Lieux et non-lieux de l'imaginaire. Paris : Maison des cultures du monde,: "Babel", 131 p.

ROGERS, Carl. 1968. « Vers une théorie de la créativité ». In Le développement de la personne.
Paris : Dunod.

ROSENBERG, Helane G. 1987. Creative Drama and Imagination. Transforming Ideas into Action. Montréal : Holt, Rinehart and Winston, 350 p., ill.

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